孟京辉与冯远征谈话剧

  • 编辑: 微笑
  • 2015年08月18日 08点08分
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  本期走进讲场的是演员冯远征和戏剧导演孟京辉,他们用专业的眼光为读者诠释戏剧与梦想。

  冯远征,著名影视演员、话剧演员。影视作品有《男媒婆》《不要和陌生人说话》《非诚勿扰》等,话剧《知己》《哗变》《死无葬身之地》等。

  冯远征:

  话剧到今天已经诞生了一百多年,走到今天话剧产生了很多经典作品。一部话剧经典的原因就是从开始受到欢迎,经久不衰,经得起时间的考验,经得起历史的考验,经得起观众的考验。当初的观众喜欢它,随着时间的推移,后一代观众还能够喜欢就是经典。所以戏剧既是一个为时代说话的剧种,同时也是能够传承的剧种。

  有时候觉得话剧离我们很远,但是当话剧演员演出有内容的话剧时,你会被他们震撼和感动、感染,甚至会会心一笑,这实际上就是话剧的魅力。话剧的魅力就是看到一个真实的人,在舞台上演一段历史,命运也好,矛盾冲突也好,实际上是真实的人在告诉你一件事情,不是被屏幕隔着的,或者拍完之后被导演剪辑,经过其他技术手段的处理,或者现在的电脑动画给你一个电影梦,话剧是真实的人在给你造一个梦。因为是真实的人在演,真实的人在看,你们给予我们的反馈,和我们给予你们的表演内容,形成了互动。

  “欣赏话剧用心感受就够了”

  最开始我们可能只认为话剧是高雅的艺术,我很欣赏,其实不然。我们如何看待话剧,欣赏一部作品,不需仰望,平视就可以了,不用带思想,先去看,先去感受,感受到什么就是什么。如果你感受到了欢乐你就开心地笑,如果你感受到一些痛苦,你就会想流泪,你如果什么都没有感受到也没有关系,因为作品想带给你的感受可能就是这样的。

  一千个人演哈姆雷特,就会出现一千个哈姆雷特。一台话剧往往传递给观众的是一个想法,一个主题,但是每个观众的生活状况不一样,经历背景不一样,所以看到的和感受到的也是不同的。我举一个例子,我二十多年前看了一部话剧叫做《风雪夜归人》,当时觉得这是一个凄美的爱情故事,我如果遇到漂亮的女主人公,跟她私奔多美啊,那时候我很年轻。可是前两年我开始演这部话剧时,我发现我看这部戏的时候忽视了另一条主线,就是法院院长苏宏基。我后来演的就是这个法院院长,是一个以权谋私的人。当我再看这个剧本时,我发现这条线太重要了。我当时为什么忽视?因为年轻,那时候正在情窦初开,向往美好爱情的时代。现在再看这个剧本,我突然发现那个时候很幼稚,随着年龄的增长,随着生活阅历的增加,我突然发现苏宏基这条线在吴祖光先生笔下是非常重要的。所以《风雪夜归人》是一个经典,因为它能够对照今天,能够反衬今天社会当中丑恶的东西。话剧的魅力在于每看一场戏都是新的,这也说明我成熟了,成长了。

  从观众的角度来说,如果每天看,舞台上是不一样的。如果你是一个老观众,你就会觉得哪个演员表演有点问题,或者情绪不到,还有的演员今天高兴兴奋了,演得爆了,有点过了。所以每一次看都不一样,比方说1999年10月1日,话剧《茶馆》首演,如果你是在那一天看,你的生命记忆中永远是那一天的《茶馆》,提起《茶馆》就会想到那个时候。但是如果说去年又看了那一版《茶馆》,你会发现那个时候的《茶馆》跟现在的《茶馆》不一样,最直观的一点是演员老了,还有戏比以前成熟了,戏比以前更丰富、更有意思、更有味道了,会随着年龄的不同,这部戏也跟以前不同。

  但是电影电视不一样。电影电视好看,出错可重新拍,如果实在不行就剪了,给大家呈现的是完美。而话剧的瑕疵实际上也是话剧演出中的一个特点,所以话剧演出当中,最容易让观众感受到的就是现场感,这个现场感是影视永远代替不了的,而这个互动只有演员和观众能够达成一种心灵上的交流、心灵上的沟通和心灵上的理解。

  一出好的戏能够让你激动起来,因为它能打动你的心,让你把自己的生活感悟和台上的角色以及剧情产生共鸣,一个戏剧的表现最后却能够让你反思,好的话剧能够起这样的作用。而作为观众,用心去感受就可以了,凭直觉,好就是好,不好就是不好。

  “每个人都可以成为演员,表演的最高境界是控制”

  世界上最早分三大表演流派,一个是中国还在延续的表演教学——斯坦尼斯拉夫斯基,还有德国很有名的跟斯坦尼斯拉夫斯基观念相反的,就是表现主义——布莱希特,第三个就是中国的梅派——梅兰芳。实际上梅兰芳代表的是中国传统的戏曲表演,不只是京剧。而中国的大戏曲是大写意,是需要有人物塑造的,我们用各种脸谱去告诉他,他是怎么样一个人,他是一个什么性格的人,甚至每一个角色都有他固定的脸谱,然后我们用一个马鞭子代表了骑马,几个人翻筋斗就代表了千军万马,这个就是中国人的智慧。这种表演形式可以让人在想象当中去感受到戏曲带来的魅力。

  而斯坦尼斯拉夫斯基是大家公认的体验派,我要演一个医生,我首先去体验医生的生活,看他怎么吃饭,怎么上班,怎么工作,怎么开药方等,这是外在的技术,是演员通过体验去揣摩人物心理。而戏曲更多的是用形式的东西,用多年的程式化的东西,积累成一种固定的模式表现,这种表现也能表现出人们的喜怒哀乐。

  我在德国主攻的是格洛托夫斯基表演学派,格洛托夫斯基是斯坦尼斯拉夫斯基的关门弟子,他发现斯坦尼斯拉夫斯基很多东西有点落后了,他的东西有点过于烦琐,就是拆解成各种各样小的练习,比如注意力集中练习、模仿练习、放松练习,当每个学生都花很长的时间做这些练习的时候,他们可能做得很好,但是往往绝大部分这样的学生学完以后,发现他不会组合了。表演开始需要这样的过程,但是走到更高级,走到现代的时候有些东西应该摒弃掉。

  格洛托夫斯基说过一句话,在座的人都有成为好演员的潜质。格洛托夫斯基最重要的一个理念:老师是掘金者,帮助学生把尘土扒开,让金子露出来。老师是让金子露出多少的人,这个是最重要的。表演是需要真听真看真感受的,这才能感染观众。

  无论是体验还是表现,也无论是哪一表演派别,最终的目的是塑造人物,让大家看到鲜活的人物,对于这种流派的争论不是重要的,重要的是一个演员是否能够掌握好你塑造人物的能力,掌握好能够让观众感受到这个人物带来的冲击。表演的最高境界不是塑造有血有肉、活生生的人物,也不是个性的人物,而是控制。因为演员上了舞台以后,在不控制、不掌控,甚至失态的情况下,完成不了表演。

  文/唐瑶

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